專訪「藍色狂想」創辦人紀華麟，從 PUB 到 Live House，從資深經營者看高雄音樂展演空間發展！

音樂空間被視為城市文化觀光的一環，去紐約少不了朝聖「Blue Note」，到東京要拜訪「LOFT」，「THE WALL」，曾被《New York Magazine》選為台北十大景點之一，而提到高雄的 Live House，一定會聽見「藍色狂想」。本篇專訪創辦人紀華麟，揭開「藍色狂想」30年如一日的秘密。

城市音樂文化隨經濟發展、政治及社會潮流有機轉變，「音樂展演空間」一詞尚未出現前，有現場音樂表演的休閒場所走過民歌西餐廳、庭園咖啡廳、Live Pub、Disco Pub 的時期。90年代後，樂團開始嘗試唱自己寫的歌，1999年閃靈樂團主唱 Freddy 在台北開設「聖界 Live House」，引用這個起源於日本搖滾樂且流行許久的詞彙，宣告自己是以音樂為主體的空間，此後，Live House 才開始被廣泛地運用。無論是以前的 Live Pub 或現在的 Live House，這類小型音樂空間都是後起之秀磨練技巧、提高知名度的舞台，也讓更多非主流和獨立創作音樂有機會被聽見，五月天、伍佰、蘇打綠、陳綺貞等知名歌手，未成名前都曾在 Live Pub 或 Live House 演出。

當台北發展出各類型 Live House，滿足樂迷粉絲的胃口，南方高雄的音樂文化脈絡又如何發展？早在1990年，那個台北也少見樂團演出空間的年代，爵士鋼琴作曲家紀華麟已搶先一步，在高雄開設一間結合現場音樂表演、餐廳及 Pub 的複合式空間，推動高雄 Live Pub 的風潮。以《藍色狂想曲》為靈感，命名為「藍色狂想 Blue Fantasy」（以下簡稱藍狂），向美國作曲家喬治・蓋希文勇於創新的精神致敬，紀華麟壯志豪情地回憶：「既然高雄沒有 Live Pub，我們就當第一間。」

藍狂一週七天都有樂團演出，主要以翻唱西洋流行歌曲（音樂人稱為 Cover）為主，除了紀華麟自己的「Super Band」樂團，也常邀請比賽歌手或藝人駐唱，相對於酒吧，室內全面禁菸、環境單純，是全家大小都能一起聽歌吃飯的場所。這種音樂餐廳模式的 Pub 曾盛行於北高兩地，然而，隨著獨立樂團的興起，早已陸續消失或轉型，只有藍狂走過30餘年依然不變，每個週末夜晚，店內坐滿大啖美食聽音樂、寫小紙條點歌、隨著熟悉歌曲搖擺唱和的人。藍狂究竟有什麼魅力，能夠維持老派又經典的營運模式，至今依然深受年輕人喜愛？本篇特別專訪身兼創作者與經營者的紀華麟，透過他經營音樂餐廳數十年的觀點，看待南臺灣音樂展演空間的發展和地區特性。

我們（Live Pub）的前身是美式或英式 Pub，進去只有喝酒、射飛鏢、玩彈珠台或撞球。有一陣子，台中興起的庭園咖啡流行到高雄，庭園咖啡就是空間很大的咖啡廳，裝潢很華麗，放一台鋼琴找樂手演奏，通常是鋼琴和小提琴的組合，我退伍後就在高雄的庭園咖啡演奏，接受客人點歌，那時覺得自己像是彈奏音樂的工具。

我和幾個朋友原本就喜歡玩樂團，尤其是爵士樂，但高雄沒有可以讓樂團演出的 Pub，乾脆集資開一間，既能滿足自己的表演慾，又能讓客人吃飯喝酒。創始時只是小小一間，開在文化中心後面，在那裡三年，想玩什麼音樂都隨便我們，不用在乎客人喜好，反正幾個位子就滿了，也沒有很大的經營壓力。後來有個客人很欣賞我們的做法，願意投資，才能搬到這裡擴大經營。

我們開業後沒多久，開始有人陸續跟進，也請來樂團演出，但都是像台北「Bule Note」、「河岸留言」這類的小空間，直到掌握資金的生意人發現這塊市場商機，Live Pub 越開越大間，像新崛江對面的 Pub 有四、五百坪，可容納好幾百人，伍佰還沒有很紅時也曾在那裡駐唱。我們搬家時，已經進入 Live Pub 的戰國時期，如果我們不搬，也很快就會被消滅，小空間很難生存。

那時（90年代）景氣很好，Disco Pub 也一間一間開，一開始只有鋼管秀和熱舞表演，後來也會請樂團唱現場，舞台前方保留舞池空間，年輕人喜歡去跳舞。1990年代，高雄大型的 Live Pub 和 Disco Pub 至少有3、40間，那一段瘋狂的時期，超乎你的想像。當時高雄的音樂人非常多，玩音樂、聽音樂的人口也很多，像康康、楊培安、黃小琥等藝人，以前也都在高雄的 Live Pub 裡面唱過 Cover。後來遇上金融風暴，股票大跌，沒錢消費，Disco Pub 和 Live Pub 就一間一間收。

我是經營者也是表演者，會從不同的角度看這件事。擴大營業後有營運上的壓力，節目安排傾向大眾口味的流行歌，但我們盡量保留星期天的爵士之夜，每天晚上的第一首曲目也維持自己喜歡的爵士樂。我們經營模式都沒變，但除了這兩年受疫情影響以外，營業額一直很平穩，所以我們比較少改變，像我們這種規模的店，如果沒有掌握好節目安排就經營不下去了。

至於現在 Live House 都以獨立樂團的創作為主，我覺得是因為經營者和表演者合作的方式也改變了。串流媒體和社群媒體盛行，獨立樂團懂的經營自己的粉絲，對經營者而言，樂團會帶來客人，如果是所謂的「音樂展演空間」，只需提供一張門票和簡單的飲料，更節省成本，但那是在台北行得通，高雄到現在還沒這麼盛行。藍狂也時常跟獨立樂團合作，包括樂團發片前的巡迴宣傳，樂團主動來洽談，我們比較沒有壓力。

歌曲和歌手是主因，我們樂手都很資深，無論客人點什麼歌，我們都能駕馭。對老客人來說，聽到懷念的歌曲會觸動，但我們選歌也跟的上時代，能抓住年輕人的胃口，像現在茄子蛋很紅，我們也會唱，兩種族群都要兼顧到，所以歌手會一直換，年輕歌手才會唱年輕人的歌。我們的歌單都厚厚一疊，唱到客人點的歌，他就很開心，也常有塞小費來點歌的，這些做法很老派，台北已經幾乎沒有，高雄人還是很吃這一套。
站在經營者立場，音樂不在於一定要唱獨立創作或 Cover，常有客人寫紙條上來，說某首歌讓他感動落淚，雖然是唱 Cover，但唱出他的回憶，給客人的感受大於唱新創作的歌曲。

這種方式還會維持多久，我也不知道，關於轉型還在摸索。我分享一個例子，去年12月到今年4月，我們申請文化部創生音樂會的補助，邀約30幾個獨立樂團來演出，並同步線上直播，每一團都很有特色，也幫他們安排晚上七點到九點的熱門時段，每場幾乎都沒什麼觀眾，直播更慘，可能只有三至五個人看，只有其中一團紛絲比較多。如果我們今天是展演空間，和獨立樂團合作，你說會不會賺錢，所以說獨立樂團在高雄還有很大的發展空間。

我覺得不是競爭，高流要做一些課程，讓更多南部人加入音樂產業。以前的音樂教育只有古典樂，台灣的學校教育沒有爵士樂和流行樂，我們都靠自己慢慢摸索，實戰中學經驗，這幾年大學才開始有相關科系或學分班。流行音樂中心就是要做這件事，培養包含編曲、作曲、音響、燈光、演唱會工程等的人才，透過教育讓高雄下一代年輕人有更多元的音樂發展選擇。
而且，那裡的展演空間租金這麼貴，一般的獨立樂團哪有人要去，還是要靠民間的音樂空間啦！